Rompiendo al estilo rock & roll

Un ejercicio como este es difícil de realizar, no por la complejidad que pueda tener el descifrar el porqué una caratula de un disco pueda llegar a gustar, sino que su dificultad radica en el encontrar una para hablar de ella, puesto que creo que no se puede juzgar solo a la caratula, se tienen que abordar otros temas por los cuales la hacen importante y le dan un verdadero valor a ella, saber quien la diseño y qué tipo de música maneja la banda a la cual se le está tratando de dar una imagen son aspectos importantes.

Es por esto que en mi búsqueda de caratulas encontré una que de la cual me gustaría hablar, no porque sea la que más me haya gustado, sino por el impacto que genero en mi, primero debo decir que es una caratula hecha para una banda norteamericana llamada Kings of Lion compuesta por tres hermanos y un primo, una banda con una imagen visual inicialmente muy sesentera, pero el sonido intenso de sus cuerdas nos traen a un presente en el cual al cerrar los ojos mientras los escuchamos puede llegar a ser toda una experiencia en donde nuestra imaginación caerá en diferentes niveles y las imágenes que tendremos en nuestra cabeza estarán llenas de recuerdos y de colores.

Este es el tercer disco de esta banda, quienes lograron una participación muy importante en el juego de fifa 2004 en donde su canción “Red morning light” es el tema principal de este, su tercer y mas reciente disco se llama “Because of the times” su portada como se puede apreciar es un bombillo estallando, es un rompimiento con lo que venían haciendo puesto que este es un álbum donde han evolucionado, donde se han atrevido a hacer todo lo que en sus anteriores discos no hicieron. Esa imagen de ruptura pero con la luz funcionando, diciendo que están rompiendo pero que siguen aquí, que no morirán por el momento, una luz que refleja perfectamente las trece canciones, donde si bien no encontramos aspectos novedoso si nos encontramos con un buen rock & roll , definitivamente el Because of times es un disco que rompe y vale la pena escuchar.

Para BacaB

Por SUR Pablo Andres Pedraza Betancourth E.D.I.

•Baila, baila no más, el que no está: NakedTango•
Un escrito sobre Guillermo Kuitca

Se encuentra vivo, pero esta inerte.
Evidencia de algun modo estar alli pero en realidad solo un poco de el esta.
Parece andar solo pero solo esta acompañado por otros solos que se encuentran en los caminos de ponerse en sus zapatos.
Punto.

En cualquier momento el ser humano puede dar a conocer lo que esta dentro de si; en cualquier momento puede revelar lo que el resto de los mortales se den a la tarea de presenciar la revelación de ese quien que esta detrás de lo percibido y lo tocado. El objeto es mediador de la revelación, en el sentido de que muestra la intención primaria pero mas remota de un quien que se encuentra en la sombras, en las sombras colocadas por si mismo o las que los espectadores crean por no querer ver lo que esta presente. Existe la conexión de los entes, de la esencia (→aquel que lo genera), del medio (→el objeto) y de la percepción (→aquel que lo interpreta). A partir del arte de la creación, o sea de la capacidad humana y viva de partir de lo desconocido y de los referentes establecidos, los diseñadores y en un sentido mas general los artistas, mostramos las percepciones particulares del mundo, reinterpretándolas para que otros, iguales (son personas) y a la vez diferentes (son publico, por ende usuarios), den un enfoque nuevo de lo que nosotros les contamos.

Es preciso generar en otros una conversaron semiótica implícita, no visible pero presente y en lo mas posible veracible. Desde Alemania se genero en el s. XIX la exaltación de aquel protagonista de una historia, de un pasaje musical o de una obra pintada o dibujada: sie leitmotiv. Desde Argentina en el siglo pasado y nuestros días, uno, tal vez por un pasado infundado germánico la presencia de este se hace, al igual que en Wagner, por la música y más contundente y profundamente por el lápiz trazado en el papel y el lienzo, el acrílico distribuido en la tela y el papel fotográfico manipulado, en Guillermo Kuitca.

A partir de tres líneas de obras emprenderé el camino a resolver el leitmotiv que el evidencia a fin de mostrarnos a ese ausente que en realidad esta o estuvo, pero que de uno u otro modo otorgo a nosotros el poderlo conocer.

Caso 1:
Alguna vez en un aeropuerto Kuitca fue participe de lo que es perder una valija: “Me sentí como humillado de que me pasara eso. No era una idea narcisista de que se perdiera mi valija, sino la vulgaridad de que yo, que estaba haciendo cuadros sobre valijas perdidas, perdiera mi valija.”(1): y es cierto, es verdaderamente irónico que en el momento de llevar a cabo una idea esta suceda de repente. Traigo a colación este hecho, puesto que la matriz de la corriente de obras que corresponde a la línea transportadora sea el hecho de encontrar muy comúnmente la maleta (como diríamos nosotros) abandonada de un personaje desconocido que por alguna razón dejo que esta diera vueltas en el circuito de la banda todo lo que debiera esta hacerlo, pero… ahora el presente es el y la que se ha ido, la que no aparece es ella la maleta, la valija y por ende el bendito equipaje.

Caso 2:
Ingresa en otra ocasión Kuitca a las salas de diferentes centros culturales alrededor del mundo, topándonos con todo teatro posible europeo o del nuevo mundo. El propone, en esta instancia no ver la obra (“lo que se va a ver”) desde el asiento de espectador sino desde los ojos melancólicos de un caballero herido llamado Sigfried. El deber y orden seria dejar que nuestro presentador permitirle al leitmotiv, al ser principal del momento en curso, pero en esta ocasión la mejor forma de conocerlo es protagonizarlo, es tomar riendas del personaje y conocerlo.
Paso ahora* a mostrar el NakedTango, el artista que bailo y dejo su huella, el artista que baila en el momento de ser mostrado cuando le vemos y el artista que se encuentra debajo de nuestra capa carnal y humana que se quiere y baila, es increíble, baila en el momento en el que Kuitca nos permite hacerlo cuando lo observamos en detención de analizar la pintura en la tela.
O sea, nosotros en este momento somos el leitmotiv: ¿para que?, para llegar a conocerlo.

Caso 3:
“… en la serie de la Encyclopedia, que son plantas de pisos de mármol que están tomadas de la enciclopedia de Diderot, lo que hago es tomar la planta, en "este" caso es una iglesia, y disolverla. Pero disolverla de un modo muy particular, porque no es simplemente borrarla, sino que es reorganizarla: es a través del agua, correr los elementos de un lado y ponerlos en otro.”(2); propone otra vez la concepción del leitmotiv, disolviéndolo de su patrón original para proponerlo de un modo en el que pueda ser mas comprensible… o mas denso. Es donde el leitmotiv se convierte en la exposición de la reorganización dada por la idea y por la interpretación.

Epilogo:
Es la pieza principal de la escena, del momento, del compendio, de la tesis, del objeto, de la actividad, de la idea: he ahí el leitmotiv; cuando estos son unidos, se entrelazan y componen crean una comunicación fluida dialéctica entre el que ve y el que es visto. Por lo tanto, no es deber (porque fue lo que primero se me cruzo por la cabeza:”deber”) sino decisión del creador, para enfocar un poco mas, del diseñador mostrar ese leitmotiv personal, esa esencia valedera escondida detrás de las formas, los materiales y los referentes. “Generar un beneficio en los otros” puede ser la máxima a la hora de dar al mundo una idea, enmascarada en un objeto, pero en realidad se logra el objetivo con lo generado en el conciente profundo de los que gozan de tener lo que nuestra mente concibió como idea.

Aplicarlo, lo anteriormente dicho, como la muestra constante de la esencia del objeto, para mostrar a manera de firma y de estilo el concepto, la narrativa de lo que engendro un deseo.




* Si una obra impacto fuertemente en lo visto en Kuitca: Obras Puntuales (Biblioteca Luís Ángel Arango, Museo de Arte del Banco de la República, 27 de septiembre de 2006 a 29 de enero de 2007) fue el NakedTango.

•FINIS•


(1) Entrevista con Guillermo Kuitca por Josefina Ayerza.
(2) Entrevista con Guillermo Kuitca por Josefina Ayerza.

Para BacaB:

Julián David Hernández Corredor

Nor Oriente BacaB

e.d.i. UNAL

“Permanecer toda la vida brindando calidad de vida”
José Carulla Vidal

Comienza el siglo XX y pronto se divisan las llegadas de los nuevos colonos europeos y asiáticos a tierras latinoamericanas, digo nuevos, puesto que en la época que comienza, las migraciones de miles de italianos, alemanes, japoneses, turcos y españoles se diferenciaban bastante con los arribos que siglos antes hacían estos personajes en son de otros intereses. Es así como un español, Don José Carulla Vidal, emprende en nuestro país, asimismo como sus contemporáneos de origen germano, la creación de un concepto de empresa que le llevaría a la radicación férrea de su negocio hasta el presente.

“El escudo catalán”, es fundando en una de las recientes bodegas del sector de San Victorino de principios de siglo, donde Don José Carulla importa y ofrece a sus clientes productos alimenticios y bienes de consumo de alta calidad para satisfacer la demanda elitista de las refinadas familias bogotanas. El local, al cual su propietario había colocado el nombre de su patria en honor a ella, pronto habría de ser tan frecuentado y asediado por los clientes nuevos y antiguos, atraídos por la novedad y servicio al cliente, que irremediablemente tuvo que abrir una sucursal.
De esta manera la cadena de supermercados Carulla, como llego a llamarse años mas tarde, se consolido como la pionera en la concepción de establecimientos comerciales de este tipo, que a través de cien años de avances tecnológicos e innovaciones a mantenido su principio esencial: “Permanecer toda la vida brindando calidad de vida”, tal como lo diría José Carulla Vidal.

A partir de su concepto y filosofía, Carulla incursiono en la implantación de nuevos servicios y nuevas maneras de concebir la atención a la gente, pasando de un público netamente acaudalado al de un estilo más popular como lo es actualmente. Carulla llego a ser uno de los centros de comercio con mas acogida en el país, ya que se expandió territorialmente al occidente y al norte de Colombia, entrando fuertemente en varios sectores sociales; es así como, a manera de resultado y confluencia, vemos a finales de los 90’s la adquisición de mercados como Merquefácil y Surtimax, los cuales compenetraban su atención en un publico mas local, a la vez impulsado por la avalancha que generaban las alianzas de mercados como Éxito y la llegada al país de hipermercados como Makro y Carrefour.

A parte de poseer su estrategia para mantenerse a flote contra la competencia, Carulla implanto bajo su cobijo la producción de nuevos productos de buena calidad y económicamente asequibles al publico de los diferentes puntos de Bogota y del país, usando también sistemas de retribución y cresito a los usuarios por su fidelidad (→ Tarjeta Súper Cliente Carulla). Es así como la cadena genera no solo el servicio de comercializar productos de otras entidades sino también el de auto sostenerse por medio de productos hechos en su casa. Gracias a la inversión del fondo estadounidense Newbridge Andean Partners, Carulla logra este acontecimiento, que junto con la compra del 60% de las acciones de Vivero unos años antes desembocan en la nueva imagen corporativa y organizacional de la compañía. Desde sus inicios Carulla había sido manejada por los sucesores de José Carulla, que ya terminándose el siglo solo eran accionistas minoristas del 25% de la empresa.

Ahora, retomando la imagen de la empresa, presentan con miras a su centenario (2005) su cara al mercado con una solución innovadora no muy abstracta sino más figurativa, sin la necesidad del uso de elementos absolutamente textuales formalmente hablando. Logran dar con la oficina mas adecuada para la obtención de un logotipo que no se aleja demasiado en esencia al original (→ este se mantuvo a lo largo de varias décadas), además de no dejar de lado la estenografía completa de cada uno de los establecimientos, dejando su tradicional y característico punto de comidas, que puede variar conforme al sitio al cual haga parte, y como matiz base el color verde. La adaptación de los locales de antaño y el empalme con los nuevos estilos arquitectónicos de los más recientes se entrecruzan formando una vista unísona de la cadena entera.

Resalto entonces de la compañía actualmente llamada Carulla Vivero S.A. los siguientes aspectos:

· Su manutención de la imagen corporativa adaptada a los nuevos designios de las épocas modernas.
· La obtención de productos elaborados por Plantas, desarrolladas por la misma empresa, para entrar a competir en un mercado más popular y accesible.
· La inquietud por el cuidado del Medio Ambiente y su estabilidad con los procesos empleados por la marca en la elaboración de productos. Anoto: Carulla es una fabricante de productos cárnicos, de panadería, de bebidas y de una de las comidas mas típicas colombianas: el tamal. La empresa esta a la vanguardia en la preservación y cuidado higiénico de sus productos en el país, obteniendo la certificación HAXXP (determinación de puntos críticos de control de alimento) única en Latinoamérica, que la posiciona como una de las mejores en el continente.
· La atención optima y sensible* al usuario; el servicio ofrecido en cada una de las estaciones de productos, en cada local y la dada por cada empleado.

Carulla ha logrado impactar en las familias colombianas por su manera agradable y sencilla de llegar a las personas. Logro pasar de ser un lugar de venta de productos extranjeros y de alta calidad a uno donde, además de consumir alimentos y conseguir víveres para el hogar, se puede “pasar un rato”, entablar una conversación o comer un bocadillo pasajero. Si bien es cierto que el ambiente de pulcritud un poco terrena, por los colores aclimatados a tonos sinoples de su característica imagen, el ambiente generado en sus locales por la disposición, servicios y por sobre todo atención de sus empleados a los clientes han hecho, sin duda, el apego de las personas a esta marca, a este ente comercial de un modo capaz de generar recordación y confiabilidad en lo que allí se ofrece, sin dejar de lado ese leve hilo que mantiene con la alcurnia bogotana, y de las demás ciudades en la que se encuentra.

La fuerza del recuerdo que se pueda generar en el público, en la infinidad de públicos existentes en el mundo, es la capacidad de relacionar y dar cabida a eventos que marquen el pasado y a la larga el futuro de las personas. Cuando se da (por el motivo que sea) una idea, es importante ella, por el valor que se le de por el creador o los asimiladores de la misma, no por los objetos, no por los tangibles que medien la materialización y difusión de esta. Cuando un establecimiento, una empresa, una marcan logran este impacto es por que parte de su idea fue tomada literalmente por los que la vieron y porque además de ello la interpretación genero un nuevo enfoque, bueno o malo, agradable o desagradable que tatuó ese logo, ese aviso, esa impronta en la mente de quien lo vivió.

•FINIS•


* Al decir “sensible” hago referencia a la atención arraigada en la atención y servicio de calidad a los clientes; a la preocupación constante por el cliente y a la basta importancia que se le da, para asegurar así la confianza en lo que se ofrece.
Fuente:

http://www.carullavivero.com.co/

Para BacaB:

Julán David Hernández Corredor

Nor Oriente BacaB

e.d.i. UNAL

El sonido de la Imágen

El 19 de abril de 1999 fue lanzado el álbum Bury the hatchet, uno de los más notables trabajos discográficos de la banda irlandesa The Cranberries; la carátula del mismo me daría palabras suficientes para la construcción de un vasto texto y no sólo en un área: la música, lo no real, acerca de pensamientos puramente introspectivos, todo un debate filosófico de lo que llega a transpirar por medio de su composición, y lo mejor sería que aún cuando hablo desde distintos enfoques estaría hablando sobre el mismo tema, así, comenzaré por una breve descripción de lo representativo en cada una de las imágenes, luego haré una transición de la imagen al nombre del álbum y por consiguiente al contenido musical del grupo, y consideraría inconcluso todo análisis sí no llegara a mencionar al creador: Storm Thorgerson.

Es muy difícil para mi separar los elementos compositivos de la imagen, en algún momento aunque sólo estén diferenciados dos planos principales, se mezclan de tal forma que ambos son totalmente dependientes el uno del otro, el escenario es al parecer un desierto, aparentemente perpetuo, donde es bello diferenciar el horizonte, aquella línea que separa al cielo de la tierra; en su inmensidad y para dar un balance sigiloso en la parte derecha unas montañas: el infinito siempre propondrá ser algo en su vacío absoluto, la idea del no fin me asusta, aquel fondo no podría hacer nacer nada más fuerte que la sensación de que no se llegará a algún final, sin embargo, aquel degradé de azules hace que se encuentre una extraña calma, una dicotomía constante entre el temor y la pasividad. En el plano principal un hombre vigilado por la constante de un ojo, el cual representa las miradas incesantes, los prejuicios, las críticas, mirada que al parecer no necesita parpadear, logra que el hombre se sienta infeliz, perseguido, encerrado en un mundo sin fin, es de señalar como a pesar que se encuentra en un espacio perenne no logra tener escapatoria. No obstante en la contraportada del disco el individuo parece haberse cansado del constante juicio de la mirada y toma otra actitud, en el mismo lugar sin tener que huir, se pone en pie y toma una actitud mucho menos sumisa, y ante esto el ojo sólo se queda sorprendido más no desvía su mirada; el título Bury the hatchet es una expresión que quiere decir algo como hagamos la paz, y la canción correspondiente a el título de álbum es su sencillo Animal instint, hablando acerca de eso que todos tenemos dentro, el instinto animal.

Thorgerson trabaja de forma admirable, según lo que leí, primero tiene que sentir la música, después de haberla entendido hace una traducción a su lenguaje, las artes gráficas, Thorgerson es un fotógrafo estadounidense, reconocido por muchos de sus trabajos, entre los más nombrados están las portadas de varios álbumes de Pink Floyd, incluso podría hacer la relación en un trabajo conjunto como éste con el trabajo de un diseñador industrial, todo es representable dentro de todas las áreas, así, un compositor podrá plasmar toda una ópera después de ver un cuadro de arte, o un artista representar las notas dentro de su escultura, lo complicado es llegar a sentir tanto y hacer una asociación apropiada acerca de qué nota será azul, o qué forma tendrá el vacío, y el mejor ejemplo que tengo a la mano, del cual ya saben mis compañeros de clase, sería el célebre Wassily Kandinsky. Me parece prudente concluir hablando de la importancia del mensaje, y de la congruencia de un trabajo que es puramente gráfico con uno que es musical, para mi lo puramente formal en éste caso no sería la prioridad, sino que comunique de buena forma el contenido del disco, sin embargo me parece una portada atractiva que logra ambas cosas, por medio de la fotografía, Thorgerson logra una composición surrealista y da a entender el contenido del álbum Bury the hatchet.

Para BacaB
Por Oriente Santiago Valles Kurmen E.D.I.

El jardin del pulpo

La música desde hace algunos años ha formado parte esencial de mi vida, acompañándome en momentos en que el silencio era la peor compañía, recordando la musía con que crecí la que escuchaba mama o papa. Creció en mi una admiración bastante grande por una banda en especial, un grupo de Rock/Pop ingles.

En esta oportunidad quisiera hacer un pequeño recorrido iconográfico por algunas de las mas importantes imágenes del cuarteto de Liverpool The Beatles, haciendo énfasis en dos de los álbumes con un diseño de portada importante el primero es el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), el segundo es el ultimo álbum oficial sacado por la disquera Apple en colaboración con Cirque du Soleil, el Love (2006).

Es difícil hacer una selección de las más importantes portadas de esta banda para mí ya que por el aprecio que le tengo a todos sus álbumes no me dejarían ser objetivo, tratare de serlo, empezare con el primer álbum de estudio el Please Please me grabado en el año de 1963, como la mayoría de las portadas de la banda esta es una fotografía, un contrapicado de los cuatro integrantes, tomada seguramente desde la planta baja de un edificio, el enfoque de la fotografía permite ver en un primer plano a Ringo, Paul, George, y John, asomados sobre una baranda, sonriendo hacia el fotógrafo, demostrando toda la irreverencia que tenia la banda en sus inicios, sin ningún tipo de fama ni fortuna eran una banda mas que se lanzaba al por entonces saturado mercado del rock, en los planos de atrás se pueden ver los otros niveles del edificio hasta el ultimo nivel, una apología al transcurrir del tiempo y el devenir del éxito, “ un camino largo y sinuoso…”, encontramos también el nombre de la banda en letras amarillas, el titulo del álbum que al mismo tiempo es un track del disco en letras rojas, y en la parte inferior una especie de cuña publicitaria en la que se nombra el primer sencillo sacado por la banda love me do en letras azules, los tres colores primarios que dan muestra de la simplicidad que se manejo en este disco, en la parte superior podemos encontrar el sello de la disquera Parlophone una rama de la EMI no tan famosa ni apreciada, y por ultimo el tipo de sonido del disco Mono.

Después de este álbum siguió el With The Beatles del año 1963 con exitos como All my loving y Till There was You, la portada de este disco es demasiado sencilla como para comentar mas de dos o tres cosas, al contraio el A Hard Day's Nigth de 1964, que llega al mercado con una película del mismo nombre, el grupo hizo cuatro películas A Hard Day’s Nigth, Help, Magical Mystery Tour y Yellow Submarine, encontramos entonces de nuevo fotografias de los integrantes de la banda, de una forma secuencial como el rollo de una película, cada uno de los integrantes dispone de 5 tomas para hacer las muecas o los gestos que desee, luego dispuestas en una matriz se colocan en filas mostrando a John, George, Paul y Ringo respectivamente, sobre un fonda azul y el nombre da la banda y el álbum en la parte superior nuevamente aparece el sello de la disquera.

Help! Del año 1965, al igual que el anterior también maneja una secuencia en su portada, sobre un fondo blanco profundo se disponen las cuatro figuras de los Beatles, fotografía difícil de lograr en esta época en la que no se contaba con muchas avances en cuanto a los retoques digitales, los integrantes adquieren diferentes posiciones logrando dar un poco de dinamismo en la fotografía, el grupo se caracterizo por imágenes como esta en donde los cuatro son protagonistas he intentan con irreverentes gestos o posiciones dar un toque de humor a todo lo que hacían, en esta ocasión parecen estar haciendo algún tipo de seña, me hacen recordar las personas que en las pistas de aterrizaje guían los aviones para aterrizar, están vestidos de formas parecidas, una constante en los inicios de la banda, aunque en esta ocasión Paul viste otro tipo de abrigo que lo hace distinguirse un poco de los demás, presente nuevamente están el nombre de la banda y el álbum.

Después de Help! siguieron el Robber Soul de 1965, el Revolver de 1966, el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de 1967, el Magical Mystery Tour de 1967 y en el 68 aparece el primer álbum de recopilación, un disco doble titulado The Beatles mas conocido por todos como el White Album, un cambio radical, que rompe con todas las fotografías convencionales, se puede ver en la portada de este disco, es una exquisita simplicidad a la que no le falta ni le sobra contenido, un sencillo fondo blanco en el que apenas se puede distinguir el titulo homónimo de la banda, un toque sutil delicado y sofisticado que le da mucha mas distinción a la banda.

Quise hablar sobre esta portada porque en mi la fotografía inspira respeto y una profunda admiración, se trata del Live at the BBC del año 1994, un concierto dado por los Beatles para la reconocida cadena británica, en el momento en que vi la imagen causo un gran impacto en mi, es una fotografía en sepia del cuarteto caminando por la calles de Londres, cada uno con un gabán negro y las manos entre los bolsillos, descomplicados, caminando uno junto al otro en un perfecto orden, pareciera que la demás gente no se percatara de su presencia, no se si sea el tono que da el sepia a la fotografía pero existe un aire de antaño, de ese tiempo pasado que siempre fue mejor, y en la parte superior resaltando en letras blancas el nombre de la banda con la fuente original grabada por primera ves en la batería de Ringo y que con el tiempo se convirtió en el logo de la agrupación, terminando con el titulo del álbum en letra cursiva casi como una firma como un autógrafo.



Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band… cansados de sus largas giras por los Estados Unidos en las que ni siquiera ellos se podían escuchar por el bullicio de la gente, los Beatles decidieron alejarse de los escenarios, los comentarios de los medios no se hicieron esperar, se preguntaban por la banda si se les acabarían las ideas si estaban destruidos, de alli y con la inspiración de Paul al escuchar el Pet sounds de los Beach Boys, según McCartney una obra maestra del rock, nacio la idea de hacer el primer álbum conceptual en la historia de la música, en donde todas las canciones están unidas como una sola pieza.

Pero no solo el concepto musical fue innovador, para el diseño de la portada por primera ves se contarto a un artista el elegido fue el artista conceptual Peter Blake, una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los que se cuentan Marilyn Monroe, Marlon Brando, Bob Dylan, Cassius Clay, D.H. Lawrence y hasta Shirley Temple, en un principioaparecian Karl Marx, Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero se cambió ya que poco antes Lennon dijo la frase de "más populares que Cristo" y era mejor no ofender a hindúes, judíos y cristianos.
Además, fue el primer disco que se vendió con las letras de las canciones impresas. Aunque se quiso evitar esto, poco se pudo hacer, ya que las letras eran propiedad intelectual de los "fab four".
El álbum causó sensación en su época y sigue causándola, manteniendo la emoción y frescura. Es un disco difícil de superar y que ha influido en generaciones de músicos con diferentes propuestas y estilos. En septiembre de 2003, este disco fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos.

Por ultimo una fusión perfecta, el Circo del Sol desarrolla una función entera rindiendo un tributo a la banda, pero para que las canciones fueran adecuadas para las presentaciones de malabaristas, trapecistas, payasos, bailarines y todo tipo de artistas pertenecientes al Circo era necesario hacer pequeños arreglos a las canciones seleccionadas para el espectáculo, de esto se encargaron los productores George Martin y Giles Martin, dando como resultado en mi opinión una sinfonía de ritmos y transiciones excelente, se presentan todas las canciones unidas por alguna melodía, en ocasiones, fragmentos de otras canciones.

Pero si en el aspecto musical el disco cumplía y sobrepasaba todas las expectativas, la parte grafica, no solo me refiero a la portada, de alguna forma opaca la producción musical, la presentacion del disco maneja un alto nivel de trabajo grafico, sobre un fondo amarillo se presenta una diagramacion compuesta por circulos, lineas y efectos de luz que se asemejan a la majestuosidad del espectáculo, llenando eso fondo de fluides y dinamismo, sobre este la palabra LOVE adornada con formas organicas dandole vida propia y terminando con las cuatro siluetas de los Beatles saltando, haciendo malavares como se les viera alguna ves en la película A Hard Day's Nigth cuando el tema Can't Buy Me Love sonaba, una diminuta muestra de lo que es el show en vivo, algo alucinante.

Pero no solo la portada impacta con su trabajo grafico, toda la produccion del disco maneja un alto nivel de ilustración…

Esta es una fotografía incluida en el librillo del disco, se trata del último concierto de la banda en Rooftop Liverpool 1970, totalmente modificada digitalmente dándole un aspecto mas urbano y moderno sin perder en ningún momento la nostalgia que genera para los admiradores esta imagen.




Esta imagen también incluida en el disco, muestra la imagen de Ringo, junto con una fotografía del show en vivo lleno de magia y color, en donde podemos apreciar el tamaño de la producción artística, del circo. Se puede ver en varias ocasiones la batería que aparece en la portada del Sgt. Peppers, donada por los dos miembros vivos de la agrupación.

Esto es solo una pequeña muestra de todas las ilustraciones que trae el disco, cada una de ellas capaz de revivir a John y George, cada una tiene el poder de revivir a los Beatles, sentir nostalgia por la rápida disolución de la banda que en tan solo 7 años de carrera artística publico 13 álbumes, mas de 200 canciones y que hoy en día supera el numero de 1000 millones de discos vendidos.

Para BacaB

Por E.D.I. Renzo David Sánchez Ramos

El cielo de Avianca

Obtener el reconocimiento de todo un país, o tal vez de un continente, es un proceso algunas veces lento, depende de los servicios que se ofrezcan o de las novedades que se tengan, es un trabajo constante y arduo, de esfuerzo y continuidad, mas aun lograr consolidar una empresa económicamente estable y redituable requiere además de trabajo y esfuerzo, competitividad y saturación del mercado consiguiendo así publicidad.

El prestigio y tradición es algo que logro conseguir la sociedad colombo-alemana SCADTA, la primer aerolínea del continente y la segunda en el mundo, actualmente llamada Avianca; con un logotipo sencillo una fuente de letras rojas con el nombre de la empresa sobre un fondo blanco.

Esta empresa a diferencia de muchas presta un servicio, no produce productos, yo considero que el éxito que hace a esta compañía lo que es, es el surgimiento de la misma, creada en al año 1919 se presenta como la primer aerolínea en el país consiguiendo, así el contrato de llevar el correo aéreo de toda la nación. Logrando quedar en la memoria colectiva de todo un país.

Avianca tenia un servicio totalmente nuevo e inverosímil para la mentalidad de esa Colombia de los años 20; que podía pensar un campesino de la sabana bogotana al ver un gigante de acero pasar por encima de su sombrero, y como el no podía soñar con montar algún día en alguno de estos gigantes, Avianca llego con el cielo en sus manos poniéndolo al alcance de cada uno de nosotros.

A poco tiempo de cumplir cien años Avianca se consolida como una de las mas importantes aerolíneas del continente y la principal en Colombia.


Para Bacab
Por E. D. I. Renzo David Sánchez Ramos

Las Delicias del Bosco

La pintura del madroño, El jardín de las delicias
Autor: El Bosco
Fecha:1503-04
Museo: Museo del Prado
Características: 220 x 195 cm. O
Material: Oleo sobre tabla
Estilo: Pintura Flamenca

El Bosco es el apelativo español para Jeroen van Aeken, pintor holandés de finales de la edad media, 1450 -1516, este genio de la pintura flamenca nació en una tradición artística, su padre heredo el taller a su hermano mayor Goosen, quien adquirió el derecho a utilizar el apellido de la familia en sus obras, debido a esto Jeroen tuvo que cambiar su nombre para diferenciarse de su hermano, utilizo la versión en latín de su nombre de pila Hieronimus y el de su ciudad S'Hertogenbosch simplificado a Boch, El bosco.

Un artista enigmático lleno de símbolos y significados, para mi es de resaltar el anacronismo que se puede inferir al observar algunas de sus obras, teniendo en cuenta que se trata de un artista medieval, época equivocadamente denominada oscura, maneja algunos aspectos de la perspectiva desarrollada en el renacimiento, el detalle y la fuerza de sus obras llenas de abundante color generan en el espectador asombro y curiosidad.

Se desarrollo en un ambienté estrictamente religioso, esto obviamente influencio su obra, el tema espiritual siempre le llamo la atención, era un critico exagerado de la condición humana, del pecado siempre existente, y la facilidad de caer ante la tentación, por eso sus cuadros siempre están llenos de ironía, burla y sarcasmo, algunos críticos consideran su obra un principio muy adelantado del surrealismo, pero a mi juicio es una afirmación bastante atrevida ya que nadie sabe porque el pintaba de esta manera, existen algunas teorías que tratan de explicar el porque de esa exquisita locura, desde alucinaciones por algún tipo de alucinógeno hasta creer que era miembro de alguna secta oculta.

El jardín de las delicias es la mas conocida de sus obras, una pintura extremadamente detallista y con una composición exquisita, las formas y la fuerza del color invitan al espectador a hacer un recorrido minucioso por todo el cuadro, iniciando por la parte superior donde se encuentran 5 elementos semejantes a algún tipo de edificación totalmente salidas de la realidad, con cualidades formales muy del Art noveau, una exaltación a la naturaleza; siguiendo por el cuadro nos encontramos con una saturación del ser humano desnudo ante sus actos, una diminuta criatura, rodeada de animales irreales, plantas antropomorfas, objetos imposibles; sumido ante los mas extravagantes delirios de la sensualidad, amante del pecado precipitándose al infierno cuadro que se encuentra a la derecha.

Es un artista fascinante que genera cualquier tipo de sensaciones y de discusiones, sobre su posición hacia el ser humano, principal cliente nuestro, un ser totalmente egoísta, que solo busca saciar su hambre de placer y caprichos infundados.


Para BacaB
Por E. D. I. Renzo David Sánchez Ramos