Enemigos Íntimos

Pocas veces se ha visto que dos enemigos trabajen tan bien juntos, como lo han hecho Fito Páez y Joaquín Sabina. Pero el tema de este artículo no es hablar del disco como tal, sino de la portada del CD en que cantan estos dos grandes músicos. En la carátula aparecen unos recipientes de cristal sobre un fondo negro, lo que hace que el vidrio tome tonos morados. Estos recipientes tienen unas tapas metálicas en las que aparece una S y una P en cada uno, hechas con perforaciones sobre el metal. Finalmente aparece en un recuadro blanco el apellido de los artistas y el nombre del disco.

El primer punto para analizar son los huecos en los recipientes metálicos que forman una S y un P. A primera vista podríamos asociar estas letras con las iniciales del apellido de cada músico, y es una asociación válida, pero también se podría ir un poco mas allá y ver cada recipiente como el contendor, cada uno, de sal y pimienta, dando sentido otra vez a las letras de las tapas metálicas. La sal y la pimienta, esos contrincantes en la mesa, que buscan ser el preferido a la hora de darle un plus a la comida, los enemigos íntimos, que comparten muchas cosas, que son casi iguales, pero que tienen una pequeña rivalidad, que se convierte en la mayor razón de su vida. Pero por otro lado las dos hacen una pareja genial al sazonar la comida, y desatan en la lengua una marea de sabores y sensaciones, desarrollando el gusto hasta volverlo un exquisito ente que después de probar sus magnificas combinaciones, no querrá nada que no tenga una calidad similar.

Otra cosa que se podría analizar son es la composición de la fotografía, en la que se muestra un balance perfecto, una gran tensión entre los dos elementos de vidrio y metal, dando desde un comienzo muestras de lo que se encontrará en el disco, y que convierte a esta imagen en una obra artística plena de sentido. La única cosa con la que no estoy de acuerdo es con el recuadro blanco que corta la imagen y en el que aparece el nombre del CD y los músicos, pues se habría podido haber hecho de tal manera que las letras fueran parte de la imagen, y no un recuadro aparte; los que la diseñaron pudieron pensar mas en darle relevancia a lo escrito, pero personalmente yo no lo habría hecho con la fuerza de la fotografía, y mas bien la habría tratado de potencial izar metiendo las palabras en la imagen.

Esta es una gran portada para un CD, en especial si lo es de un disco como este, que se puede convertir en una fuente de discusión y hasta en un hito en el diseño de comunicación, comenzando por la idea, cargada de simbolismo, pasando por la fotografía, llena de calidad, y terminando en el producto final, una excelente muestra de lo mucho que se puede hacer con una simple toma de dos objetos cotidianos.

Para BacaB:
Omar Angel
Norte
e.d. Universidad de los Andes

Un Mítico y Eterno Brasil: “Brasil 66”


A mediados de los cincuenta la Bossa Nova se extiende por las ciudades más desarrolladas y conglomeradas del Brasil entero. Aunque los aires impetuosos de modernidad de la posguerra se estrellan en las calles de Brasilia con la alegría tradicional de Rio o de Sao Paulo, los brasileños conservan fuertemente su gusto por el carnaval y por su música.

Un joven pianista de Rio de Janeiro, engolosinado por el jazz y la música instrumental, planea, sin quererlo ser el mayor exponente de musical de su país: Sergio Mendes. Les confieso: a corta edad conocí su mayor y más famosa canción, Mais que Nada, gracias a una emisora de la capital que acostumbra (puesto que aun existe) colocar en sus programas música instrumental, clásica y de todo el mundo. También confieso que por un error de información esta canción fue relacionada en mi casa como “Samba pa’ ti” y yo sin saberlo me lo creí.

Sergio Mendes comienza su carrera artística con “Bossa Rio Sextet” y por esa época participa en el Bossa Nova Festival de New York (1962), que finalmente coloca a Mendes como uno de los mejores del genero, además de ser parte de la revelación de artitas del festival. A raíz de esto se radica en California y da a luz a la mítica banda de bossa nova “Brasil 64”, pero aun falta poco para tocar el cielo del estrellato, lo cual lo lleva a incluir en su banda voces femeninas, y dos cantantes lo que le da la mezcla propicia para obtener sonidos jamás obtenidos y dar paso así a “Brasil 66”.

Es nuestro punto de partida.

La carátula del primer trabajo de su banda bajo este nombre nos muestra la presencia de todos, voces y pianista, en un jardín de plantas. Aunque en el mundo europeo y Norteamérica se respiran aires de “love and peace” en el Brasil conservadorista la música se muestra con corbatines cortos y largos, y vestidos largos de alcurnia propios de la época. La mirada un tanto severa de los integrantes realmente esconde el contenido festivo de sus composiciones que hablan acerca de “É samba de preto velho” y que coinciden en un publico culto pero amante de la música folklórica. En este disco, Sergio Mendes & Brasil '66: Herb Alpert Presents*, aparece por primera vez Mais que Nada, y aunque Mendes no es el compositor, sino Jorge Ben, este le imprime toda la fuerza al teclado. Es casi indescriptible lo que se siente en el momento en el cual las cuerdas suenan en la caja y es enérvante lo que el sonido produce en mi cuando lo oigo; Puede ser por una conexión distante con el Brasil o por la apreciación prematura de mis gustos focalizado a este tipo de música.


Ahora, saltando unos años, dentro de sus álbumes (como suelen hacerlo los grandes compositores) se alojan las canciones reeditadas a través de los años por el mismo autor que dan un nuevo enfoque a sus creaciones por parte de sus propias manos, y muestra de ello es la primera recopilación Sergio Mendes & Brasil '66: Greatest Hits (1970) y la segunda en 2006, Sergio Mendes: Timeless.

Con esta producción, Mendes da un vuelco realmente extraordinario a Mais que Nada y a sus demás creaciones, uniendo sus ritmos y letras con The Black Eyes Peas, Steve Wonder, John Legend, Justin Timberlake, Eryka Badu, India.arie y The Roots generando así entre el publico joven y mundial una cara más del carnavalismo brasileño. La portada del single muestra esta, y por vez primera en una portada de un disco a un Sergio Mendes sonriente, pero ya viejo y convencido de la alegría de su música, junto con la fotografía de un Sergio joven que interpretaba un piano. Cabe destacar la actitud seria del muchacho y su mirada parca es muy característica de su música y del punto de vista que la época a la que pertenece le otorgaba. La estampa lleva en sus líneas un evidente estilo retrospectivo que asemeja al sol naciente japonés y que también evoca el diseño grafico de los cuarenta, sólido, plano y concreto.

De nuevo es de esperar en las notas y en la letra de sus canciones ese espíritu nuevo con el que renace la samba alegre. En esta ocasión el ambiente festivo mostrado en el vídeo clip evidencia la composición de la música contemporánea y la inmortalidad de su género, de su cantar incontenible por los años y el tiempo, de su recordación infinita y del que “Tú no vas a querer, que yo llegue al final” (Você não vai querer, Que eu chegue no final).

* En la lista de canciones también aparece un cover de The Beatles: Day Tripper. Años mas tarde en Sergio Mendes & Brasil '66: Fool On The Hill y en Sergio Mendes & Brasil '66: Ye-Me-Le, vuelven a montar dos cover: Fool on the Hill y Norwegian Wood respectivamente.

Para BacaB:
Julián David Hernández Corredor
Nor Oriente BacaB
e.d.i. UNAL

Una Hermandad Prospera

Ronan & Erwan Bouroullec un par de hermanos que trabajan en común, estos hermanos quienes se hicieron famosos en el mundo del diseño por su propuesta de la Disintegrated kitchen una cocina en la cual la intención esta en sacarla de la pared y ubicarla como una tabla la cual es puesta por el usuario en el lugar en que el desee este; a partir de ese momento estos dos empezaron a pisar fuerte en el mundo del diseño, pero en su pensamiento podemos encontrar que ellos buscan desarrolla unos objetos que estén relacionados entre sí y que esto permita que con la mezcla de ellos se puedan generar diferentes propuestas para un mismo objeto.

Ellos nunca diseñan un solo objeto o por lo menos no lo conciben de esa manera, para ellos la multiplicidad es la idea prima en sus diseños, puesto que el objeto está mandado a recoger en el momento que deje de generar una función que satisfaga el deseo que antes hacía en su dueño, es por esto que ellos buscan lograr que cada objeto pueda presentarse de diferentes maneras ante el comprador pero sin dejar de ser el mismo objeto, sino que será transformado por el usuario.

Es así como llegamos a otro de sus trabajos destacado el Combinatory Vases que es basado en un doble juego: producción en ocho módulos. Un juego de vasos que presentan una excelente combinación en la cual la mezcla de las piezas permite que tengan diferentes configuraciones.

Este par de hermanos quienes ya han sido nombrados como “creator of the year” en la feria del mueble celebrada en el año de 2002 en Paris y han ganado diferentes premios internacionales en diseño; actualmente trabajan para importantes empresas como lo son: Vitra, Cappellini, Issey Miyake. Hacen parte de la nueva generación de diseñadores que como lo hicieron Diter Rams o Ettore Sottsass en su tiempo hacen grandes aportes al diseño mundial.

Para BacaB

Por Sur Pablo Andres Pedraza Betancourth E.D.I

Rompiendo al estilo rock & roll

Un ejercicio como este es difícil de realizar, no por la complejidad que pueda tener el descifrar el porqué una caratula de un disco pueda llegar a gustar, sino que su dificultad radica en el encontrar una para hablar de ella, puesto que creo que no se puede juzgar solo a la caratula, se tienen que abordar otros temas por los cuales la hacen importante y le dan un verdadero valor a ella, saber quien la diseño y qué tipo de música maneja la banda a la cual se le está tratando de dar una imagen son aspectos importantes.

Es por esto que en mi búsqueda de caratulas encontré una que de la cual me gustaría hablar, no porque sea la que más me haya gustado, sino por el impacto que genero en mi, primero debo decir que es una caratula hecha para una banda norteamericana llamada Kings of Lion compuesta por tres hermanos y un primo, una banda con una imagen visual inicialmente muy sesentera, pero el sonido intenso de sus cuerdas nos traen a un presente en el cual al cerrar los ojos mientras los escuchamos puede llegar a ser toda una experiencia en donde nuestra imaginación caerá en diferentes niveles y las imágenes que tendremos en nuestra cabeza estarán llenas de recuerdos y de colores.

Este es el tercer disco de esta banda, quienes lograron una participación muy importante en el juego de fifa 2004 en donde su canción “Red morning light” es el tema principal de este, su tercer y mas reciente disco se llama “Because of the times” su portada como se puede apreciar es un bombillo estallando, es un rompimiento con lo que venían haciendo puesto que este es un álbum donde han evolucionado, donde se han atrevido a hacer todo lo que en sus anteriores discos no hicieron. Esa imagen de ruptura pero con la luz funcionando, diciendo que están rompiendo pero que siguen aquí, que no morirán por el momento, una luz que refleja perfectamente las trece canciones, donde si bien no encontramos aspectos novedoso si nos encontramos con un buen rock & roll , definitivamente el Because of times es un disco que rompe y vale la pena escuchar.

Para BacaB

Por SUR Pablo Andres Pedraza Betancourth E.D.I.

•Baila, baila no más, el que no está: NakedTango•
Un escrito sobre Guillermo Kuitca

Se encuentra vivo, pero esta inerte.
Evidencia de algun modo estar alli pero en realidad solo un poco de el esta.
Parece andar solo pero solo esta acompañado por otros solos que se encuentran en los caminos de ponerse en sus zapatos.
Punto.

En cualquier momento el ser humano puede dar a conocer lo que esta dentro de si; en cualquier momento puede revelar lo que el resto de los mortales se den a la tarea de presenciar la revelación de ese quien que esta detrás de lo percibido y lo tocado. El objeto es mediador de la revelación, en el sentido de que muestra la intención primaria pero mas remota de un quien que se encuentra en la sombras, en las sombras colocadas por si mismo o las que los espectadores crean por no querer ver lo que esta presente. Existe la conexión de los entes, de la esencia (→aquel que lo genera), del medio (→el objeto) y de la percepción (→aquel que lo interpreta). A partir del arte de la creación, o sea de la capacidad humana y viva de partir de lo desconocido y de los referentes establecidos, los diseñadores y en un sentido mas general los artistas, mostramos las percepciones particulares del mundo, reinterpretándolas para que otros, iguales (son personas) y a la vez diferentes (son publico, por ende usuarios), den un enfoque nuevo de lo que nosotros les contamos.

Es preciso generar en otros una conversaron semiótica implícita, no visible pero presente y en lo mas posible veracible. Desde Alemania se genero en el s. XIX la exaltación de aquel protagonista de una historia, de un pasaje musical o de una obra pintada o dibujada: sie leitmotiv. Desde Argentina en el siglo pasado y nuestros días, uno, tal vez por un pasado infundado germánico la presencia de este se hace, al igual que en Wagner, por la música y más contundente y profundamente por el lápiz trazado en el papel y el lienzo, el acrílico distribuido en la tela y el papel fotográfico manipulado, en Guillermo Kuitca.

A partir de tres líneas de obras emprenderé el camino a resolver el leitmotiv que el evidencia a fin de mostrarnos a ese ausente que en realidad esta o estuvo, pero que de uno u otro modo otorgo a nosotros el poderlo conocer.

Caso 1:
Alguna vez en un aeropuerto Kuitca fue participe de lo que es perder una valija: “Me sentí como humillado de que me pasara eso. No era una idea narcisista de que se perdiera mi valija, sino la vulgaridad de que yo, que estaba haciendo cuadros sobre valijas perdidas, perdiera mi valija.”(1): y es cierto, es verdaderamente irónico que en el momento de llevar a cabo una idea esta suceda de repente. Traigo a colación este hecho, puesto que la matriz de la corriente de obras que corresponde a la línea transportadora sea el hecho de encontrar muy comúnmente la maleta (como diríamos nosotros) abandonada de un personaje desconocido que por alguna razón dejo que esta diera vueltas en el circuito de la banda todo lo que debiera esta hacerlo, pero… ahora el presente es el y la que se ha ido, la que no aparece es ella la maleta, la valija y por ende el bendito equipaje.

Caso 2:
Ingresa en otra ocasión Kuitca a las salas de diferentes centros culturales alrededor del mundo, topándonos con todo teatro posible europeo o del nuevo mundo. El propone, en esta instancia no ver la obra (“lo que se va a ver”) desde el asiento de espectador sino desde los ojos melancólicos de un caballero herido llamado Sigfried. El deber y orden seria dejar que nuestro presentador permitirle al leitmotiv, al ser principal del momento en curso, pero en esta ocasión la mejor forma de conocerlo es protagonizarlo, es tomar riendas del personaje y conocerlo.
Paso ahora* a mostrar el NakedTango, el artista que bailo y dejo su huella, el artista que baila en el momento de ser mostrado cuando le vemos y el artista que se encuentra debajo de nuestra capa carnal y humana que se quiere y baila, es increíble, baila en el momento en el que Kuitca nos permite hacerlo cuando lo observamos en detención de analizar la pintura en la tela.
O sea, nosotros en este momento somos el leitmotiv: ¿para que?, para llegar a conocerlo.

Caso 3:
“… en la serie de la Encyclopedia, que son plantas de pisos de mármol que están tomadas de la enciclopedia de Diderot, lo que hago es tomar la planta, en "este" caso es una iglesia, y disolverla. Pero disolverla de un modo muy particular, porque no es simplemente borrarla, sino que es reorganizarla: es a través del agua, correr los elementos de un lado y ponerlos en otro.”(2); propone otra vez la concepción del leitmotiv, disolviéndolo de su patrón original para proponerlo de un modo en el que pueda ser mas comprensible… o mas denso. Es donde el leitmotiv se convierte en la exposición de la reorganización dada por la idea y por la interpretación.

Epilogo:
Es la pieza principal de la escena, del momento, del compendio, de la tesis, del objeto, de la actividad, de la idea: he ahí el leitmotiv; cuando estos son unidos, se entrelazan y componen crean una comunicación fluida dialéctica entre el que ve y el que es visto. Por lo tanto, no es deber (porque fue lo que primero se me cruzo por la cabeza:”deber”) sino decisión del creador, para enfocar un poco mas, del diseñador mostrar ese leitmotiv personal, esa esencia valedera escondida detrás de las formas, los materiales y los referentes. “Generar un beneficio en los otros” puede ser la máxima a la hora de dar al mundo una idea, enmascarada en un objeto, pero en realidad se logra el objetivo con lo generado en el conciente profundo de los que gozan de tener lo que nuestra mente concibió como idea.

Aplicarlo, lo anteriormente dicho, como la muestra constante de la esencia del objeto, para mostrar a manera de firma y de estilo el concepto, la narrativa de lo que engendro un deseo.




* Si una obra impacto fuertemente en lo visto en Kuitca: Obras Puntuales (Biblioteca Luís Ángel Arango, Museo de Arte del Banco de la República, 27 de septiembre de 2006 a 29 de enero de 2007) fue el NakedTango.

•FINIS•


(1) Entrevista con Guillermo Kuitca por Josefina Ayerza.
(2) Entrevista con Guillermo Kuitca por Josefina Ayerza.

Para BacaB:

Julián David Hernández Corredor

Nor Oriente BacaB

e.d.i. UNAL

“Permanecer toda la vida brindando calidad de vida”
José Carulla Vidal

Comienza el siglo XX y pronto se divisan las llegadas de los nuevos colonos europeos y asiáticos a tierras latinoamericanas, digo nuevos, puesto que en la época que comienza, las migraciones de miles de italianos, alemanes, japoneses, turcos y españoles se diferenciaban bastante con los arribos que siglos antes hacían estos personajes en son de otros intereses. Es así como un español, Don José Carulla Vidal, emprende en nuestro país, asimismo como sus contemporáneos de origen germano, la creación de un concepto de empresa que le llevaría a la radicación férrea de su negocio hasta el presente.

“El escudo catalán”, es fundando en una de las recientes bodegas del sector de San Victorino de principios de siglo, donde Don José Carulla importa y ofrece a sus clientes productos alimenticios y bienes de consumo de alta calidad para satisfacer la demanda elitista de las refinadas familias bogotanas. El local, al cual su propietario había colocado el nombre de su patria en honor a ella, pronto habría de ser tan frecuentado y asediado por los clientes nuevos y antiguos, atraídos por la novedad y servicio al cliente, que irremediablemente tuvo que abrir una sucursal.
De esta manera la cadena de supermercados Carulla, como llego a llamarse años mas tarde, se consolido como la pionera en la concepción de establecimientos comerciales de este tipo, que a través de cien años de avances tecnológicos e innovaciones a mantenido su principio esencial: “Permanecer toda la vida brindando calidad de vida”, tal como lo diría José Carulla Vidal.

A partir de su concepto y filosofía, Carulla incursiono en la implantación de nuevos servicios y nuevas maneras de concebir la atención a la gente, pasando de un público netamente acaudalado al de un estilo más popular como lo es actualmente. Carulla llego a ser uno de los centros de comercio con mas acogida en el país, ya que se expandió territorialmente al occidente y al norte de Colombia, entrando fuertemente en varios sectores sociales; es así como, a manera de resultado y confluencia, vemos a finales de los 90’s la adquisición de mercados como Merquefácil y Surtimax, los cuales compenetraban su atención en un publico mas local, a la vez impulsado por la avalancha que generaban las alianzas de mercados como Éxito y la llegada al país de hipermercados como Makro y Carrefour.

A parte de poseer su estrategia para mantenerse a flote contra la competencia, Carulla implanto bajo su cobijo la producción de nuevos productos de buena calidad y económicamente asequibles al publico de los diferentes puntos de Bogota y del país, usando también sistemas de retribución y cresito a los usuarios por su fidelidad (→ Tarjeta Súper Cliente Carulla). Es así como la cadena genera no solo el servicio de comercializar productos de otras entidades sino también el de auto sostenerse por medio de productos hechos en su casa. Gracias a la inversión del fondo estadounidense Newbridge Andean Partners, Carulla logra este acontecimiento, que junto con la compra del 60% de las acciones de Vivero unos años antes desembocan en la nueva imagen corporativa y organizacional de la compañía. Desde sus inicios Carulla había sido manejada por los sucesores de José Carulla, que ya terminándose el siglo solo eran accionistas minoristas del 25% de la empresa.

Ahora, retomando la imagen de la empresa, presentan con miras a su centenario (2005) su cara al mercado con una solución innovadora no muy abstracta sino más figurativa, sin la necesidad del uso de elementos absolutamente textuales formalmente hablando. Logran dar con la oficina mas adecuada para la obtención de un logotipo que no se aleja demasiado en esencia al original (→ este se mantuvo a lo largo de varias décadas), además de no dejar de lado la estenografía completa de cada uno de los establecimientos, dejando su tradicional y característico punto de comidas, que puede variar conforme al sitio al cual haga parte, y como matiz base el color verde. La adaptación de los locales de antaño y el empalme con los nuevos estilos arquitectónicos de los más recientes se entrecruzan formando una vista unísona de la cadena entera.

Resalto entonces de la compañía actualmente llamada Carulla Vivero S.A. los siguientes aspectos:

· Su manutención de la imagen corporativa adaptada a los nuevos designios de las épocas modernas.
· La obtención de productos elaborados por Plantas, desarrolladas por la misma empresa, para entrar a competir en un mercado más popular y accesible.
· La inquietud por el cuidado del Medio Ambiente y su estabilidad con los procesos empleados por la marca en la elaboración de productos. Anoto: Carulla es una fabricante de productos cárnicos, de panadería, de bebidas y de una de las comidas mas típicas colombianas: el tamal. La empresa esta a la vanguardia en la preservación y cuidado higiénico de sus productos en el país, obteniendo la certificación HAXXP (determinación de puntos críticos de control de alimento) única en Latinoamérica, que la posiciona como una de las mejores en el continente.
· La atención optima y sensible* al usuario; el servicio ofrecido en cada una de las estaciones de productos, en cada local y la dada por cada empleado.

Carulla ha logrado impactar en las familias colombianas por su manera agradable y sencilla de llegar a las personas. Logro pasar de ser un lugar de venta de productos extranjeros y de alta calidad a uno donde, además de consumir alimentos y conseguir víveres para el hogar, se puede “pasar un rato”, entablar una conversación o comer un bocadillo pasajero. Si bien es cierto que el ambiente de pulcritud un poco terrena, por los colores aclimatados a tonos sinoples de su característica imagen, el ambiente generado en sus locales por la disposición, servicios y por sobre todo atención de sus empleados a los clientes han hecho, sin duda, el apego de las personas a esta marca, a este ente comercial de un modo capaz de generar recordación y confiabilidad en lo que allí se ofrece, sin dejar de lado ese leve hilo que mantiene con la alcurnia bogotana, y de las demás ciudades en la que se encuentra.

La fuerza del recuerdo que se pueda generar en el público, en la infinidad de públicos existentes en el mundo, es la capacidad de relacionar y dar cabida a eventos que marquen el pasado y a la larga el futuro de las personas. Cuando se da (por el motivo que sea) una idea, es importante ella, por el valor que se le de por el creador o los asimiladores de la misma, no por los objetos, no por los tangibles que medien la materialización y difusión de esta. Cuando un establecimiento, una empresa, una marcan logran este impacto es por que parte de su idea fue tomada literalmente por los que la vieron y porque además de ello la interpretación genero un nuevo enfoque, bueno o malo, agradable o desagradable que tatuó ese logo, ese aviso, esa impronta en la mente de quien lo vivió.

•FINIS•


* Al decir “sensible” hago referencia a la atención arraigada en la atención y servicio de calidad a los clientes; a la preocupación constante por el cliente y a la basta importancia que se le da, para asegurar así la confianza en lo que se ofrece.
Fuente:

http://www.carullavivero.com.co/

Para BacaB:

Julán David Hernández Corredor

Nor Oriente BacaB

e.d.i. UNAL

El sonido de la Imágen

El 19 de abril de 1999 fue lanzado el álbum Bury the hatchet, uno de los más notables trabajos discográficos de la banda irlandesa The Cranberries; la carátula del mismo me daría palabras suficientes para la construcción de un vasto texto y no sólo en un área: la música, lo no real, acerca de pensamientos puramente introspectivos, todo un debate filosófico de lo que llega a transpirar por medio de su composición, y lo mejor sería que aún cuando hablo desde distintos enfoques estaría hablando sobre el mismo tema, así, comenzaré por una breve descripción de lo representativo en cada una de las imágenes, luego haré una transición de la imagen al nombre del álbum y por consiguiente al contenido musical del grupo, y consideraría inconcluso todo análisis sí no llegara a mencionar al creador: Storm Thorgerson.

Es muy difícil para mi separar los elementos compositivos de la imagen, en algún momento aunque sólo estén diferenciados dos planos principales, se mezclan de tal forma que ambos son totalmente dependientes el uno del otro, el escenario es al parecer un desierto, aparentemente perpetuo, donde es bello diferenciar el horizonte, aquella línea que separa al cielo de la tierra; en su inmensidad y para dar un balance sigiloso en la parte derecha unas montañas: el infinito siempre propondrá ser algo en su vacío absoluto, la idea del no fin me asusta, aquel fondo no podría hacer nacer nada más fuerte que la sensación de que no se llegará a algún final, sin embargo, aquel degradé de azules hace que se encuentre una extraña calma, una dicotomía constante entre el temor y la pasividad. En el plano principal un hombre vigilado por la constante de un ojo, el cual representa las miradas incesantes, los prejuicios, las críticas, mirada que al parecer no necesita parpadear, logra que el hombre se sienta infeliz, perseguido, encerrado en un mundo sin fin, es de señalar como a pesar que se encuentra en un espacio perenne no logra tener escapatoria. No obstante en la contraportada del disco el individuo parece haberse cansado del constante juicio de la mirada y toma otra actitud, en el mismo lugar sin tener que huir, se pone en pie y toma una actitud mucho menos sumisa, y ante esto el ojo sólo se queda sorprendido más no desvía su mirada; el título Bury the hatchet es una expresión que quiere decir algo como hagamos la paz, y la canción correspondiente a el título de álbum es su sencillo Animal instint, hablando acerca de eso que todos tenemos dentro, el instinto animal.

Thorgerson trabaja de forma admirable, según lo que leí, primero tiene que sentir la música, después de haberla entendido hace una traducción a su lenguaje, las artes gráficas, Thorgerson es un fotógrafo estadounidense, reconocido por muchos de sus trabajos, entre los más nombrados están las portadas de varios álbumes de Pink Floyd, incluso podría hacer la relación en un trabajo conjunto como éste con el trabajo de un diseñador industrial, todo es representable dentro de todas las áreas, así, un compositor podrá plasmar toda una ópera después de ver un cuadro de arte, o un artista representar las notas dentro de su escultura, lo complicado es llegar a sentir tanto y hacer una asociación apropiada acerca de qué nota será azul, o qué forma tendrá el vacío, y el mejor ejemplo que tengo a la mano, del cual ya saben mis compañeros de clase, sería el célebre Wassily Kandinsky. Me parece prudente concluir hablando de la importancia del mensaje, y de la congruencia de un trabajo que es puramente gráfico con uno que es musical, para mi lo puramente formal en éste caso no sería la prioridad, sino que comunique de buena forma el contenido del disco, sin embargo me parece una portada atractiva que logra ambas cosas, por medio de la fotografía, Thorgerson logra una composición surrealista y da a entender el contenido del álbum Bury the hatchet.

Para BacaB
Por Oriente Santiago Valles Kurmen E.D.I.